Éditions Daniel Maghen, 2016

À la fois au scénario et au dessin, Patrick Prugne signe avec Iroquois une bande dessinée historique qui nous ramène au tout début du XVII^e siècle, plus précisément en 1609, au temps des premiers comptoirs et expéditions terrestres français au Québec. Ressuscitant la figure de Samuel de Champlain, il dresse un portrait des Nord-Amérindiens confrontés à l’arrivée des colonisateurs occidentaux. Une situation extrêmement conflictuelle, d’autant plus qu’entre Hurons, Iroquois, Algonquins et autres peuplades indiennes, la guerre est toujours prête à éclater. Au début du récit, de Champlain et les soldats du Roi de France se retrouvent à la tête d’une expédition punitive dont les conséquences se feront longtemps sentir…

Visuellement Iroquois est un délice. Le dessin à l’aquarelle de Patrick Prugne sublime parfaitement les étendues boisées du Québec, les rives du Saint-Laurent, le monde sanglant, violent, âpre et sauvage de leurs contrées inexplorées. Inexplorées par l’homme blanc, sauf qu’ici c’est l’âme amérindienne qui intéresse beaucoup plus l’auteur. Ses natures magnifiques et son trait dynamique en font l’écho page après page, au gré de l’avancée en territoires hostiles. On regrettera tout de même le manque de profondeur du scénario qui, sans s’avérer médiocre, n'est pas à la hauteur de l'univers visuel proposé. Dommage, car sinon ce très bel ouvrage aurait frôlé le sans faute.

Par Matthieu Roger

Éditions Casterman, 2016

L'Amérique, ses grandes plaines verdoyantes et ses Indiens ont fait rêver toute une génération d'explorateurs en mal de voyages et de découvertes. Alexis de Tocqueville, célèbre notamment pour ses réflexions philosophiques et politiques, est de ceux-là. Dans Quinze jours dans le désert, il a conté son périple au tréfonds de la région des Grands Lacs, en direction de contrées que la civilisation occidentale n'avait toujours pas foulées, histoire que Kévin Bazot a décidé d'adapter en bande dessinée avec Tocqueville : Vers un nouveau monde.

Sous forme de récit initiatique, cette excursion graphique raconte l'errance, en 1831, du jeune aristocrate, futur intellectuel que nous connaissons aujourd'hui, à travers les États-Unis d'Amérique. Accompagné de son ami Gustave de Beaumont, empli d'illusions et de naïveté, il part en quête des Amérindiens qu'il imagine sauvages et réfractaires à la modernisation de l'Occident, plus axés sur la synergie avec la nature que sur le développement industriel. Le candide idéaliste va vite déchanter. Confronté à la réalité, il doit se rendre à l'évidence : ceux qu'il cherche sont en voie d'extinction, acculés par l'expansionnisme des colons. L'urbanisation dévore les forêts ! Contrairement à ce qu'il pensait, les Indiens, devenant les victimes de l'essor des grandes villes, se sont soumis à la culture de ceux qui ont investi leurs terrains. Partout les deux compagnons ne croisent que des Amérindiens miséreux, ivrognes, bagarreurs et voleurs n'ayant plus une once de révolte en eux. Alexis de Tocqueville et Gustave de Beaumont sont les témoins de la construction de l'Amérique contemporaine ! Persévérants, s'enfonçant de plus en plus au cœur du Nouveau Monde, ils finiront par trouver ceux qu'ils étaient venus rencontrer. Mais, déjà, la civilisation est à deux pas de ces derniers espaces vierges…

L'auteur nous livre, ici, un triste portrait de l'Amérique des pionniers dans un ouvrage graphique inspiré, documenté, précis et détaillé, pour rester au plus proche du texte originel. Il en a conservé l'aspect critique, notamment l'imposition culturelle et religieuse des colons sur les Indiens en anesthésiant toutes volontés et toutes velléités par l'alcool.

Grâce à une ligne claire et un dessin diapré, Kévin Bazot illustre parfaitement son propos, immergeant le lecteur dans cette époque révolue où les vastes forêts dominaient encore le territoire.

Si le scénario n'est jamais palpitant, a contrario des grands westerns sur la conquête de l'Ouest, il n'en demeure pas moins passionnant du début à la fin !

Une adaptation réussie, respectueuse de l’œuvre d'Alexis de Tocqueville, superposant des images sur ses mots.

Par KanKr

Éditions Place des Victoires, 2011

Voilà un magnifique livre d’art qui pourrait bien constituer le cadeau idéal pour vos fêtes de fin d’année. Son très grand format (42 cm de hauteur sur 34 cm de largeur), rehaussé par une tranche dorée du plus bel effet, est imposant et constitue l’écrin qu’il fallait pour mettre en valeur les superbes photographies haute définition des murs et voûtes de la chapelle Sixtine. Construite à la fin du XV^e siècle, peinte et décorée au cours de la première moitié du XVI^e siècle, cette dernière fait sans aucune contestation possible partie des joyaux architecturaux de l’humanité. La restauration des fresques de Michel-Ange, entreprise entre 1980 et 1994, permit de révéler au grand jour le savant et explosif mélange des couleurs, dévoilant sous la sombre patine des siècles une des plus étourdissantes compositions visuelles de l’histoire de l’art. Temple du génie italien de la Renaissance – citons, entre autres contributeurs, Le Pérugin, Botticelli, Ghirlandaio, Rosselli et Michel-Ange – la chapelle Sixtine défie l’entendement de par la beauté de ses peintures. Celle du Jugement dernier, sans doute l’une des oeuvres d’art les plus connues au monde, ne doit pas faire oublier que voûtes, médaillons, lunettes et voûtains constituent autant d’enseignements sur les représentations théologiques de l’époque, l’histoire de la papauté et l’enseignement de la Bible.

Si vous ne pouvez vous rendre un jour au Vatican, n’hésitez pas à entreprendre ce voyage au fil des pages de La chapelle Sixtine. Ou quand le livre restitue pour notre plus grand plaisir l'ébahissement des sens devant l’inimaginable. Comme le dit assez justement Alexandre Gady dans sa préface, « peut-être, au fond, est-ce avec un tel ouvrage que l’on peut encore regarder vraiment la chapelle Sixtine : dans le calme des pages feuilletées, dans les images somptueuses montrant ce que l’on ne voit pas d’en bas, lorsqu’on est dans la chapelle, la beauté des fresques jaillit dans toute la puissance de leur détail ». Conférant une place mineure aux explications textuelles, ce livre est l’exemple même que, parfois, l’image se suffit à elle-même. Un conseil : laissez-vous tenter.

Par Matthieu Roger

Louvre Éditions & Fonds Mercator, 2012

Wim Delvoye est un artiste hors-norme qui aime se jouer des codes et des conventions établies. Il est notamment connu pour avoir exploré les méandres des cloaques à travers sa machine, au nom prédestiné Cloaca, reproduisant le processus de digestion sous l’apparence d'un complexe laboratoire scientifique. Restant fidèle à cette provocation, il s'amuse à désacraliser son propre travail, arguant que l'art est de la merde avant de pousser ses expériences sur l'objet à travers la réalisation de tapis persans à base de charcuterie, de bouteilles de gaz décorées à l'antique où à l'effigie des moulins de Delft, de tatouages sur des cochons vivants, d'armoiries sur pelles ou planches à repasser, de faïences arborées d'excréments, de vitraux-X mêlant sexualité, religieux ou ossements, etc. Prospecteur des formes artistiques, des médiums ou des matériaux tels que le vitrail, la peau animale, le velours, la porcelaine, le bois, l'osier, le bronze et l'encre, il ose des combinaisons qui lui valent autant de reconnaissance que de réprobations. L'art de Delvoye n'a rien de conventionnel et c'est tant mieux !

À l'instar d'une grande majorité d'artistes, Wim Delvoye considère les musées comme des cimetières où les œuvres perdent de leur substance déplacées du lieu et du contexte de leur création où, figées dans le temps, elles dépérissent immobiles et solitaires. Il souhaite décloisonner l'art en le sortant de son élitisme pour l'offrir au public, le rendre visible et accessible à tous en l'extrayant des galeries. Alors, lorsqu'il investit le Louvre, de la Pyramide de Pei aux jardins des Tuileries en passant par les salles gothiques du département des Objets d'art et les illustres appartements de Napoléon III, la confrontation de ses créations avec les chefs-d’œuvres du célèbre musée a de quoi retenir l'attention. Et le moins que l'on puisse dire, c'est que nous ne sommes pas déçus. Il a conçu, pour l'occasion, une sculpture monumentale pour la colonne du belvédère. Une immense flèche néo-gothique en acier Corten inoxydable, torsadée, de treize mètres de haut, de forme oblongue, pointée vers le ciel, est enchâssée dans le triangle de la pyramide de verre. Pour la base de la structure, il s'est inspiré de la cathédrale de Cologne, et pour les ornements, des toits et tours de Notre-Dame de Paris (ceux que Viollet-le-Duc avait imaginés pour Notre-Dame dont il possède une importante collection de vieux catalogues, de dessins et de motifs). Cette structure, inscrite dans la continuité d'un travail sur les torsions et anamorphoses de sculptures et l'analité, reste fidèle à son goût pour la provocation aussi bien par sa forme de suppositoire que par le nom qu'il lui donne : Suppo.

Comme un défi, ses œuvres viennent ensuite prendre place dans les mal-aimés salons Napoléon III. À travers Nautilus, une tour de cathédrale tordue et enroulée sur elle-même en forme de coquillage d'acier, Tapisdermie, trois cochons en fibre de verre recouverts de tapis qui rappellent ses cochons tatoués vivants sous anesthésie, ou encore la représentation d'une scène de copulation entre un cerf et une biche trônant sur la grande table du salon, il dévoile l'étendue de son art pour l'extravagance et l'anachronisme. C'est aussi l’opportunité de découvrir son intrigante série Interprétation de Jésus sur la croix. Dans ces sculptures, il transforme le symbole baroque des crucifix en hélices d'ADN, en anneaux de Möbius, en cercles, en sinusoïdes, poussant par la même occasion la provocation à la limite du blasphème. L'art de Wim Delvoye est de bon ton à l'heure où le dessin de presse est au centre d'un scandale qui embrase le monde. Il est de ces artistes complets dévoyant l'art au point de le tourner en dérision, de le caricaturer. Il explore les frontières du possible et amène à réfléchir sur le sens de l'art. À travers ses travaux, l'histoire artistique n'est plus un simple mouvement linéaire où les périodes et les styles se succèdent. Il déforme le temps autant qu'il déforme ses œuvres en mélangeant les genres et les époques. Au même titre que la caricature, il désacralise ce que certains souhaiteraient intouchable, et le fait de surcroît avec talent. Rien n'est plus, dans ses œuvres, ni désuet, ni d'avant-garde. Tout n'est qu'uniquement matière à créer. Il a d'ailleurs lui-même réalisé la couverture du catalogue, en s'inspirant des romans de Jules Verne aux éditions Hetzel, et c'est fidèle à son inénarrable dérision que sa quatrième de couverture arbore une fourchette faisant un bras d’honneur. Wim Delvoye est un créateur polyvalent, doué, perfectionniste, facétieux et excentrique, en avance sur son temps tout en étant tourné vers le passé. Comme si seul le présent lui échappait, que son éphémérité lui restait insaisissable. Curieux, c'est l'un des plus grands collectionneurs de la marque La Vache qui rit. Son œuvre a été influencée par les logos publicitaires et les images de séries Z, la bande-dessinée, les dessins animés de Walt Disney (dont il partage les initiales) et l'art gothique qu'il mélange à la sculpture académique du XIX^e siècle. Il a révolutionné l'art contemporain en faisant le lien entre l'artisanat et l'art populaire, notamment par le détournement de l'art néo-gothique, considéré comme barbare, le réactualisant à travers des objets industriels et ordinaires du quotidien tels que des pelleteuses, des bétonneuses, des camions, des bulldozers, etc. Il les traite comme des cathédrales de bois, de pierre ou d'acier pour rendre hommage aux prouesses architecturales du passé. Son travail surréaliste et anachronique est encore une fois une preuve du talent de l'artiste pour le contre-emploi et la juxtaposition d'univers.

S'il est de ces artistes qui oscillent entre la folie et le génie, j’espère tout simplement qu'il est beaucoup des deux !

Par KanKr

Coédition Bernard Giovanangeli Éditeur & Ministère de la Défense, 2012

Saluons l’heureuse initiative d’enfin publier un ouvrage dédié au remarquable peintre que fut Édouard Detaille. Édouard Detaille, un siècle de gloire rend hommage à l’homme qui fut en son temps considéré comme l’un des chefs de file de la peinture française de la dernière partie du XIX^e siècle. Célèbre à l’époque, Édouard Detaille, au sujet duquel Albert Soubies déclarait en 1915 qu’il fut « l’un des artistes contemporains sur lesquels on a le plus écrit », a depuis mystérieusement disparu de la mémoire nationale. Une injustice tellement ce grand peintre français a perpétué avec génie le genre militaire en peinture. Cet ouvrage permet en effet de se rendre compte du coup de pinceau saisissant et réaliste propre à Detaille. Compilés au fil des pages, ses plus grands tableaux révèlent la maîtrise dont fit preuve ce brillant élève de Meissonier pour retranscrire sur toile le soldat au cœur des combats, ou tout simplement absorbé par les tâches de la vie militaire. S’il a consacré un grand nombre de ses premières œuvres les plus importantes à la guerre de 1870, c’est parce que Detaille combattit sous l’uniforme tricolore durant ce conflit. Appartenant au cercle restreint des peintres officiels de la III^e République, il n’en demeura pas moins toute sa vie fervent bonapartiste, d’où son goût pour l’Empire et ses cavaliers chamarrés. Je retiens entre toutes les magnifiques figures de cavalerie qu’il nous offre avec « En batterie », artillerie de la Garde, régiment monté (Salon de 1890), « Vive l’Empereur ! » : charge du 4^ème Hussards à Friedland (1891), ainsi que Le général Lasalle tué à Wagram (Salon de 1912). Tout simplement splendides ! Illustrant durant des décennies les manuels d’histoire, son Rêve de 1888 révèle une autre facette de son art en livrant aux yeux du spectateur abasourdi un émouvant parallèle entre des soldats endormis au bivouac et leurs songes allégoriques des gloires militaires passées. « L’aube point, tandis que défilent dans les cieux les soldats de Valmy et d’Iéna, les Africains de Bugeaud, les régiments de Magenta et Solferino » (p. 80-81). Un souffle épique que l’on retrouvera plus tard dans La chevauchée vers la gloire, superbe peinture murale d’une abside du Panthéon, à Paris (1905). Car Detaille n’est pas seulement peintre. Il est également, à l’instar de Jean-Charles Langlois, un grand panoramiste et décorateur.

Maître peintre, homme influent, grand bourgeois, loyal en amitié, tels sont les qualificatifs dont on peut parsemer à la va-vite le brillant parcours d’Édouard Detaille. Cependant, il ne faut avant tout pas perdre de vue que celui qui fut parfois contesté pour son esthétique réaliste ou ses opinions politiques militaristes entend nous lèguer à travers son œuvre l’amour de la nation et de l’héroïsme qui l’ont toujours profondément habité. C’est à l’aune de ce patriotisme esthétisant et nullement outrancier qu’il nous faut aujourd’hui appréhender la beauté des toiles de Detaille.

Par Matthieu Roger